Quem é o diretor Josh Trank?

Josh Trank é um diretor e roteirista norte-americano que ganhou notoriedade ao dirigir “Poder Sem Limites” (2012), um sucesso de crítica com 85% de aprovação no Rotten Tomatoes. Antes disso, teve uma breve carreira como ator, com participações na dramédia “Big Fan” (2009) e na série de comédia “Arrested Development” (2003–2019).

Em 2009, a 20th Century Fox anunciou que pretendia rebootar o universo do Quarteto Fantástico nos cinemas. A princípio, o roteiro ficaria por conta de Akiva Goldsman (vencedor do Oscar de Melhor Roteiro Adaptado em 2001), Michael Green e Jeremy Slater. Embora Josh Trank estivesse em negociações desde o início, sua contratação como diretor só foi oficializada em 2013, e as filmagens foram logo programadas para começar.

Trank vs. Fox/Marvel

Os primeiros problemas do longa surgiram ainda na fase criativa. Desde o início, o diretor Josh Trank deixou claro que não era fã de filmes de super-heróis. Sua única inspiração era a série animada do Quarteto Fantástico de 1994, que assistira quando criança. Enquanto isso, o roteirista Jeremy Slater, que já havia começado a desenvolver o roteiro, tinha uma abordagem mais voltada ao universo dos quadrinhos. Ele queria incluir vilões clássicos como Galactus e o Toupeira, além de cenas de ação grandiosas, inspiradas no sucesso de Os Vingadores (2012).

Trank, por outro lado, tinha uma visão mais sombria e introspectiva, com foco no drama psicológico dos personagens — um tom bem diferente do que Slater propunha, gerando infelizmente a demissão do roteirista.

De acordo com uma fonte do Hollywood Reporter, o diretor mantinha-se frequentemente incomunicável no set e pouco interagia com os atores, que se sentiam perdidos. Rumores também apontavam que ele enfrentava problemas de bastidores, como processos por barulho causado por seus cães nos sets.

Conflitos com o elenco também surgiram, especialmente com Miles Teller, que não era a escolha inicial de Trank para viver Reed Richards. O diretor ainda teria sugerido uma atriz negra para interpretar Sue Storm, mas o estúdio teria vetado a ideia, gerando mais tensão.

Diante do corte entregue por Trank, a Fox se mostrou insatisfeita e exigiu refilmagens para suavizar o tom do roteiro. No entanto, as mudanças atrasaram devido à agenda dos atores principais, como Kate Mara, Teller e Michael B. Jordan.

O estúdio então convocou os experientes produtores Matthew Vaugham, Simon Kinberg e Hutch Parker para finalizar o projeto, que sequer estava totalmente editado quando o elenco começou a promovê-lo.

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As consequências pós-lançamento

Lançado em agosto de 2015, o longa foi um verdadeiro desastre. Com dois tons narrativos completamente diferentes, personagens sem carisma, efeitos visuais inacabados e um roteiro frágil, o filme foi duramente criticado por público e imprensa especializada. Tornou-se um dos maiores fracassos da Marvel/Fox antes da compra do estúdio pela Disney.

O desempenho nas críticas foi ainda mais decepcionante: apenas 9% de aprovação no Rotten Tomatoes — muito inferior às versões anteriores dirigidas por Tim Story nos anos 2000, que, apesar das críticas, conseguiram 27% e 37% e conquistaram a simpatia dos fãs pela leveza e carisma do elenco.

Em termos financeiros, a bilheteria também foi um fracasso: arrecadou cerca de US$ 168 milhões mundialmente — valor abaixo do esperado para um blockbuster. Em comparação, o filme de 2005 fez quase US$ 160 milhões apenas nos EUA e US$ 334 milhões no total, segundo o Box Office Mojo. A consequência foi inevitável: uma possível sequência foi cancelada.

Em 2016, o filme foi indicado a diversos prêmios no infame Framboesa de Ouro, vencendo em três categorias: Pior Filme, Pior Direção e Pior Reboot/Continuação. Entre os concorrentes estavam obras como “Cinquenta Tons de Cinza”, “Alvin e os Esquilos 2” e “O Destino de Júpiter”.

Já Trank, teve apenas um lançamento desde 2015, o longa ‘Capote’ que chegou com uma recepção mista, recebendo um 4,7/10 do site Rotten Tomatoes. Até hoje,fãs pedem o ‘Trank cut’, mas Trank pelo X disse que ‘ eles não deveriam fazer campanha para a divulgação ‘ dessa versão.

Quarteto de novo nos cinemas

Com o novo filme do Quarteto Fantástico chegando pelas mãos da Marvel Studios, muitos se perguntam: será que finalmente veremos uma versão digna da Primeira Família da Marvel? A resposta ainda está por vir. Mas se o passado nos ensinou algo, é que até mesmo os maiores heróis podem tropeçar… e que toda grande equipe merece uma segunda chance.

Resta saber se, desta vez, o Quarteto conseguirá salvar não só o mundo — mas também sua reputação nas telonas. Quarteto Fantastico: Primeiros Passos estreia dia 25 de julho nos cinemas.

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Com tantos temas importantes sendo discutidos, não é de se espantar que a série seja um sucesso de crítica e também de público. Recentemente tornou-se a série mais vista da história da Apple TV+, ultrapassando a antiga queridinha Ted Lasso. Desse modo, o streaming conseguiu um aumento de 126% de novos assinantes, uma marca importante para a Apple TV+. Felizmente o serviço de streaming confirmou que haverá a 3° temporada de RUPTURA. E Ben Stiller (A Vida Secreta de Walter Mitty), diretor da série, disse que não irá demorar muito para sabermos o que aconteceu com Mark Helly e Dylan na Lumon.

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Um dos motivos da série ter tanto sucesso é a perfeita sinergia entre a direção com a direção de arte e a fotografia. Assim, unindo esses três elementos, temos a entrega de uma história densa e tensa feita com perfeição.  Ao utilizar a regra 60:30:10, que guia com maestria nosso olhar para aquilo que os criadores querem chamar a atenção, a série consegue transmitir emoção sem desviar o foco da narrativa. Dessa forma, cria-se a atmosfera perfeita para você absorver todas as informações que são passadas (e olha que são muitas) sem ficar com aquela sensação de que não está acompanhando a trama.

O que é a regra 60:30:10

A regra 60:30:10 é muito utilizada no design de interiores para criar paletas de cores que sejam, ao mesmo tempo, visualmente agradáveis e equilibradas. Nela, utilizam-se três cores em proporções diferentes. Como exemplo imagine uma sala. 60% dos elementos dela serão a cor dominante, ou seja, que irá prevalecer no ambiente. 30% dos elementos será a cor secundária (ou complementar). Neste caso a cor secundária serve para destacar algum elemento, como um sofá. É importante dizer que a cor escolhida para ser a secundária deve ser harmoniosa com a cor dominante, pois irá adicionar contraste e profundidade ao ambiente. Por último, 10% dos elementos terão uma cor de impacto, usada para atrair a nossa atenção para detalhes específicos do ambiente, como uma almofada ou uma obra de arte. Neste caso, a cor escolhida geralmente é ousada e contrasta em relação às duas anteriores.

Na imagem acima é possível ver o uso da regra em prática. O azul da parede e do tecido da poltrona marcam a cor dominante, em maior quantidade. Já o marrom, utilizado pelos móveis de madeira, compõe a cor complementar. Para finalizar, temos o amarelo da almofada, cor esta que contrasta com o azul e atrai nossa atenção.

Como Ruptura usa a regra na série

O cérebro humano processa milhares de detalhes visuais de uma só vez. Em uma série ou filme onde há o uso excessivo das cores, pode causar uma confusão visual, que faz com que a gente não consiga focar na história. Assim, usando apenas algumas cores dominantes mantemos a atenção na narrativa sem distrações. Ao utilizar uma paleta com cores limitadas, as cores individuais ficam com um significado maior devido ao princípio psicológico da relativização da cor. Uma única cor cercada por tons neutros parece mais viva e com um impacto emocional maior do que em uma cena cheia de cores. Isso ocorre, pois o cérebro processa a cor contextualmente e quanto menos cores competindo numa cena, mais força a cor terá. Quando menos cores estão presentes o olho naturalmente foca nos contrastes e elementos chaves.

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Isso cria uma hierarquia visual em que certos elementos saltam da tela enquanto outros permanecem de fundo. Isso é especialmente importante para conduzir a atenção do espectador quanto ao fio narrativo. E é aí que o princípio do 60:30:10 se aplica. Uma diretriz amplamente usada em design e cinema, a regra 60:30:10 organiza as proporções de cores para criar harmonia visual e guiar a atenção do espectador. Ao estabelecer uma cor dominante, uma cor secundária e uma cor de destaque, os cineastas podem criar uma paleta visual coesa que parece equilibrada e intencional.

Na imagem acima é possível ver que o enquadramento escolhido pelo diretor conta com 60% de branco, vindo das paredes e animais, 30% de verde, da drama e 10% de azul, da roupa dos funcionários. Dessa forma, é possível notar que a cor majoritária é aquela que personifica a empresa, enquanto as cores de realce é notada naquilo que destoa da imagem. No caso desta cena específica, Mark e Helly estão fora de seus lugares de trabalho. Sendo assim, são os que estão destacados no enquadramento.

Outros exemplos do uso do 60:30:10?

Apesar de RUPTURA utilizar a teoria 60:30:10 com maestria, não é o primeiro produto audiovisual que utiliza a teoria. Mad Max: Estrada da Fúria e La La Land também utilizam a regra. Abaixo temos o exemplo de ambos os casos:

O amarelo é a cor dominante em Mad Man – Estrada da Fúria, o que faz sentido com a trama, pois o filme se passa no deserto. O azul acizentado é a cor complementar, vista principalmente pelo céu. Por fim, o vermelho é a cor de realce, vista tanto pelo uniforme do guitarrista quanto nas explosões que ocorrem. Em um filme de ação, faz sentido que chame a atenção para as cenas de ação, principalmente aquelas que envolvem explosões.

Já em La La Land, a cor que domina a cena é o azul, seguido pelo rosa do entardecer. A cor que contrasta com o azul e que chama a nossa atenção é o amarelo, visto no vestido de Mia. Assim, com a regra do 60:30:10 em mente, podemos ver os filmes e séries com outros olhos, analisando uma camada a mais.

Mas e você? Já notou o uso do 60:30:10 em algum filme ou série? Conte para nós!

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Se você tem curiosidade sobre o que esperar da próxima temporada da animação, confira abaixo os próximos passos dessa história!

[Atenção! A partir daqui spoilers da história em quadrinhos de Invencível! Siga por sua conta e risco!]

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Na terceira temporada da série, chegamos a um momento crucial para o crescimento de Mark como super-herói: a Guerra dos Invencíveis. Apesar de ser um evento marcante, especialmente pela chegada de Conquest e seu embate com Mark, essa guerra não se compara ao impacto da Guerra contra os Viltrumitas, o próximo grande arco da história. Por isso, é esperado que esse conflito seja abordado na quarta temporada.

A Guerra contra os Viltrumitas

Seguindo a ordem cronológica dos quadrinhos, veremos o início (e provavelmente também o desfecho) da guerra entre a Coalizão de Planetas e o Império Viltrumita. No entanto, antes do conflito em si, acompanharemos Nolan e Allen se preparando para enfrentar os quase invencíveis viltrumitas, buscando aliados e armas capazes de derrotá-los.

É muito provável que tudo isso aconteça em paralelo à história de Mark na Terra, enquanto ele lida com as consequências dos eventos do final da terceira temporada. E é claro que veremos mais do relacionamento de Mark e Eve nessa quarta temporada, porém tudo vai ficar de lado com a chegada da guerra.

Se tudo acontecer como nos quadrinhos, veremos Nolan e Allen indo para a terra para recrutar Mark, Oliver e Tech Jacket para o seu lado. E na viagem de ida para a Coalizão dos Planetas nós teremos uma grande revanche….

Conquista retorna para sua revanche

Como vimos no final da terceira temporada, Conquista não morreu e está preso no subsolo da terra se recuperando. No entanto, a prisão feita por Cecil não vai segurar o psicopata por muito tempo e ele vai escapar e voltar para reportar seu fracasso.

E com isso teremos mais uma batalha entre Mark e Conquista, e dessa vez o vilão terá um final definitivo, mas não sem deixar sequelas em Mark. No final da batalha Mark quase morre e tem que ficar durante meses em repouso com seu pai e irmão cuidando dele.

O breve momento de recuperação do Invencível vai durar alguns meses enquanto a guerra continua sem perde fôlego. Contudo, o Conquista não é a maior ameaça que veremos nessa temporada, mas sim outro personagem que é muito mais perigoso do que ele.

O grande vilão de Invencível finalmente dá as caras

Em meio ao caos da guerra interplanetária, testemunharemos a primeira aparição do maior vilão de Invencível: Regent Thragg. Ele é a figura responsável por manter Viltrum como a maior força bélica do universo após a devastação causada pelo Vírus Praga.

Treinado desde o nascimento para governar Viltrum até que um herdeiro de sangue do falecido Rei Argall fosse encontrado, Thragg representa o ápice da força viltrumita. Habilidoso, implacável e extremamente astuto, ele é um oponente à altura de qualquer herói.

Além de sua ameaça direta, Thragg também desencadeia um perigo oculto para a Terra. Após o fim da guerra e a destruição do planeta Viltrum pela Coalizão, ele toma uma decisão que coloca Mark e toda a humanidade em xeque: levar os viltrumitas sobreviventes para a Terra.

Com o plano de repopular os viltrumitas, Thragg e seus seguidores vão todos para a terra e vão começar a viver como humanos disfarçados. Com a promessa se não atacarem e nem defenderem a terra de qualquer ameaça externa, no final Viltrum está na terra e o Invencível não poder nada sobre isso.

Provavelmente o arco envolvendo toda o núcleo dos Viltrumitas se encerre nesse momento. Contudo o final da terceira temporada deixou em aberto mais uma coisa que não existe na obra original.

Invencível contra o Inferno?

Na cena pós-crédito do último episódio, nós vemos que Damian Darkblood está em contato com o que parece ser um grande demônio. Na conversa entre Damian e esse demônio eles falam sobre possuir uma pessoa que possui um coração negro, e tudo indica que essa pessoa possa ser o Invencível.

Como esse é um arco que não existe nos quadrinhos, essa história ainda está meio no escuro para qual lado ela irá seguir. É provavél que vejamos esse arco acontecendo antes da Guerra Viltrumita e talvez seja apenas um meio arco para termos um “esquenta” para coisas maiores.

Mas e você, o que achou da terceira temporada de Invencível? Está esperando grandes coisas das próximas temporadas? No conte nos comentários.

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Em época de BBB sempre em alta nas redes sociais, nós, do QN, decidimos elaborar alguns dos motivos pelos quais amamos reality shows…

Antes de mais nada, é importante contextualizar: afinal, o que é um programa reality? Esse gênero de programa é conhecido por sua abordagem não roteirizada e, portanto, por capturar a vida cotidiana, as interações sociais, os desafios estipulados pelos diretores entre os participantes. 

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Nesse sentido, devido à exposição intensiva e, muitas vezes, sem cortes, às câmeras, bem como a premissa de isolamento (isto é, na maioria dos realities, os participantes não sabem qual é a receptividade do público), muitas questões em relação à ética e à privacidade são abordados…

A história dos reality shows

(Imagem: Terra / Reprodução)

A “reality TV” tem raízes na tradição do documentário, mas o formato evoluiu ao longo do tempo para se tornar uma forma de entretenimento popular. O termo “reality show” refere-se a programas de televisão que retratam situações da vida real, muitas vezes envolvendo pessoas comuns em vez de atores profissionais.

O conceito começou a se desenvolver na década de 40 e 50, com programas como Candid Camera (CBS, 1960), que capturava as reações de pessoas a situações inusitadas e era uma forma inicial de reality show cômico. No entanto, o verdadeiro boom dos realities ocorreu nas últimas décadas do século XX e início do século XXI.

O pioneiro moderno muitas vezes citado é The Real World, que estreou em 1992 na MTV. Este programa colocava um grupo de estranhos em uma casa juntos e documentava suas interações diárias. Já Survivor, um reality show de competição, onde os participantes precisavam trabalhar para sobreviver frente às adversidades de uma ilha deserta, também desempenhou um papel significativo na popularização do gênero. Ele estreou nos Estados Unidos em 2000 e rapidamente se tornou um sucesso global.

John de Mol é um proeminente produtor de televisão e bilionário holandês, amplamente reconhecido como o “pai dos reality shows“. Sua notoriedade advém de sua influência na criação de diversos programas desse gênero por meio da empresa de comunicações Endemol. Um de seus maiores feitos foi a concepção do Big Brother, cuja primeira edição foi ao ar em 1999 e desencadeou uma revolução no mundo dos reality shows.

Após a venda da Endemol, John não apenas consolidou sua reputação como um visionário na indústria televisiva, mas também estabeleceu seu próprio canal de TV. Nesse canal, ele lançou com grande sucesso o The Voice, outro que se destacou internacionalmente e foi licenciado para transmissão em vários países.

A partir daí, a evolução da tecnologia e a proliferação dos canais de televisão e plataformas de streaming também contribuíram para a diversificação e popularidade contínua dos reality shows. Eles agora abrangem uma ampla variedade de temas, desde competições e relacionamentos até programas que exploram o cotidiano de famílias e comunidades.

Reality shows por gênero

Os reality shows abrangem uma ampla variedade de gêneros, cada um focando em diferentes aspectos da vida real, buscando mesclá-la com entretenimento e competição. Abaixo estão alguns dos principais:

(Imagem: Collider / Reprodução)

• Talent Shows

Exemplos: American Idol, The Voice, The X Factor, RuPaul’s Drag Race.

Participantes competem em performances artísticas ou desafios para demonstrar talentos específicos, como cantar, dançar e performar lip syncs!

• Dating Shows

Exemplos: The Bachelor, Love Island, Casamento Às Cegas, O Ultimato, The Circle. 

Os participantes buscam relacionamentos afetivos duradouros, passando por encontros e desafios relacionados ao amor, muitas vezes até antes de se verem pessoalmente.

• Confinamento/ Experimento social

Exemplos: Big Brother, Too Hot To Handle, A Fazenda, No Limite.

Os participantes são colocados em um ambiente controlado, como uma casa ou ilha, e são filmados enquanto interagem e competem entre si. Por vezes, o público decide quem ganha.

• Estilo de Vida/ Transformação

Exemplos: Queer Eye, The Biggest Loser.

Focado na transformação pessoal, seja na aparência, na saúde ou na vida cotidiana dos participantes.

• Documentário de Vida Cotidiana

Exemplos: Keeping Up with the Kardashians, The Osbournes.

Mostra a vida diária de pessoas conhecidas ou de famílias comuns.

• Policial/ Investigativo

Exemplos: Cops, Forensic Files.

Acompanham o trabalho de policiais, detetives e equipes de investigação.

• Aventura/ Sobrevivência

Exemplos: The Amazing Race, Largados e Pelados.

Os participantes enfrentam desafios físicos e mentais enquanto viajam ou sobrevivem em condições extremas.

• Alimentação/ Culinária

Exemplos: Top Chef, MasterChef, Cake Boss, Sugar Rush.

Competições culinárias onde chefs amadores ou profissionais mostram suas habilidades.

• Moda/ Beleza

Exemplos: The Hype, Next In Fashion, Glow Up.

Competições fashion, onde estilistas ou maquiadores renomados e/ou em ascensão competem entre si, passando por diversos desafios do ofício, em busca de levar para casa um grande prêmio em dinheiro.

• Esportes e Competições Físicas

Exemplos: The Challenge, American Ninja Warrior, Ultimate Beastmaster.

Competições que envolvem atividades físicas e desafios atléticos.

O Brasil é do BBB

(Imagem: Globo; Meio e Mensagem / Reprodução)

O Big Brother Brasil (BBB) é a versão brasileira do Big Brother, um reality de confinamento. A primeira edição do BBB foi ao ar em 29 de janeiro de 2002 pela Rede Globo, uma das principais emissoras de televisão do país.

A ideia central do programa é isolar um grupo de participantes em uma casa especialmente projetada, onde são monitorados 24 horas por dia por câmeras. Os participantes competem em desafios, interagem entre si e são submetidos a votações do público, que decide quem será eliminado a cada semana. O último participante restante é o vencedor e recebe um prêmio em dinheiro (quantia que, atualmente, ultrapassa os R$ 3 milhões).

A popularidade do Big Brother Brasil cresceu rapidamente desde sua estreia, tornando-se um fenômeno cultural no país. O formato inovador, que combina voyeurismo, estratégia de jogo e experimentação social, atraiu uma audiência diversificada. O programa também se tornou uma parte importante da cultura popular, gerando discussões, análises e debates em todo o país, e sendo uma importante plataforma de ativação e divulgação de marcas.

A cada temporada, o BBB passou por adaptações e introduziu novos elementos para manter o interesse do público. Da mesma forma, a mudança de apresentador, que aconteceu de tempos em tempos (com Marisa Orth no ano de estreia, Pedro Bial de 2002 a 2016, Tiago Leifert de 2016 a 2021, e Tadeu Schmidt a partir de 2022), também foi crucial para reinventar o programa – tanto a forma que as coisas acontecem dentro da casa, quanto os conteúdos que se geram do lado de fora, pela própria emissora ou organicamente, pelo público telespectador.

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Segundo pesquisa elaborada pelo Wake Creators e divulgada em 2025, o Big Brother é o reality queridinho dos brasileiros, sendo escolhido como favorito por 61% dos entrevistados, o que choca zero pessoas, mas sinaliza uma certeza para grandes marcas continuarem investindo no programa – cuja audiência continua quebrando recordes mesmo após mais de vinte anos nas telinhas. 

Existem várias evidências do porquê o BBB acabou se consolidando como um marco para a televisão e a cultura do Brasil. Entre elas, estão o entretenimento e o drama – afinal, ele é projetado para ser um programa altamente envolvente –; a empatia – a exposição constante dos participantes às câmeras permite uma identificação dos telespectadores –; o formato interativo – que permite que o público se sinta parte do rumo do programa –; a interconexão digital; a cobertura de mídia; e recentemente a participação de celebridades e subcelebridades, que, no experimento, acabam se mostrando “gente como a gente”.

Assim, a Casa Mais Vigiada do Brasil, neste ano comemorando sua vigésima quinta edição, ou seja, debutando o seu primeiro “Massacre Quaternário”, se mantém como o elemento principal desse fenômeno tão duradouro na mídia brasileira. 

Há quem diga que reality shows são apenas alienação, mas…

(Imagem: “Fahrenheit 451” (1966), Anglo Enterprises; Vineyard Film Ltd. / Reprodução)

A Psicologia explica.

De acordo com especialistas, o comportamento humano emerge como o principal atrativo nos reality shows. Esses programas nos apresentam a vida cotidiana de pessoas comuns, mostrando desde as atividades mais triviais, como comer e tomar banho, até momentos de festa, discussões e relacionamentos. A constante exposição dos participantes às câmeras proporciona uma identificação profunda, permitindo que os telespectadores se vejam refletidos em diversos aspectos da vida dos participantes.

Além disso, a atração é intensificada quando celebridades, amplamente conhecidas na “vida real”, participam de programas como o Big Brother Brasil. Essa experiência oferece ao público a oportunidade de conhecer as múltiplas facetas de seus ídolos, estabelecendo uma proximidade única. O desejo de se sentir mais próximo dos ídolos é satisfeito por meio da exposição detalhada proporcionada pelos reality shows.

Uma pesquisa conduzida pelo Professor de Psicologia Jonathan Cohen, da Universidade de Haifa, em Israel, revelou que os telespectadores desses programas desenvolvem fortes sentimentos de empatia pelos participantes, muitas vezes reconhecendo-se em suas escolhas e ações. O estudo, envolvendo 183 entrevistados e abrangendo 12 reality shows diferentes, como Big Brother, MasterChef e Supernanny, indicou que a afinidade com um programa está diretamente relacionada à identificação e ao desejo de participação.

Outro aspecto que contribui para o envolvimento do público é a capacidade dos reality shows de servirem como uma válvula de escape. Em momentos de estresse, intensa carga de trabalho e desafios na vida pessoal, esses programas oferecem uma pausa, permitindo que os espectadores se desconectem temporariamente de suas próprias preocupações para acompanhar as vidas e dilemas de outras pessoas.

Realities que você provavelmente já viu e não se lembra

Para nós que vivemos os anos 2000, escolhemos alguns realities shows muito especiais, e largados naquele tempo, para rememorarmos juntos. Vem com a gente!

(Imagem: Walt Disney World / Reprodução)

Um fruto da geração early millennial, gostaríamos de relembrar o High School Musical: A Seleção (2008), da Disney Channel, cujos episódios passavam no horário nobre da emissora, durante o programa Zapping Zone. Basicamente, foi uma grande competição para selecionar quem estrelaria a versão brasileira da franquia High School Musical – que foi o High School Musical: O Desafio (2010).

Gostaríamos de relembrar, ainda, o Disney Channel Games – “evento” televisionado que juntava todas as estrelas jovens da Disney daquela época em uma competição esportiva de verão, de 2006 a 2008. Eles não ganhavam nada, mas deveriam trabalhar em equipe para passar por desafios como corridas em bolas gigantes de hamster, por exemplo. Na época, chamada de “minissérie”, esse reality contou com diversos famosos, como os gêmeos Sprouse, Zac Efron, Miley Cyrus, Selena Gomez, Raven, etc.

Também houve a Temporada de Moda Capricho (que aconteceu de 2010 a 2016) – nele, estudantes de Moda que competiam por uma vaga de estágio na Revista Capricho, que estava em seu auge, afinal, aqueles eram tempos de Manu Gavassi e seu Garoto Errado. Era veiculado no site da revista, ou seja, não se precisava de TV a cabo, e o ganhador simplesmente se tornava o novo estagiário. (Sim, existem pessoas que entram em realities para competir por R$ 1,5 milhão, e existem pessoas que competem por um salário de mil e quinhentos.)

(Imagem: MTV / Reprodução)

E por falar em Capricho, temos que mencionar o casamento entre a MTV e a Revista, o que deu luz ao reality Colírios Capricho no ano de 2010! Dele, saiu a tríade Dudu Surita, Caíque Nogueira e Federico Devito, que hoje trabalham em carreiras diversas, mas também foi plataforma de influências que estão presentes na mídia até hoje, como Leonardo Picon.

Outro interessante reality foi o Projeto Adrenalina (2009), transmitido no Boomerang. Era uma espécie de No Limite juvenil. Os competidores passavam por desafios perigosos, difíceis e até mesmo nojentos, e isso sem nem ganhar nada – apenas o título de “Super Adrenalina do Ano”. Radical!

Por último, relembramos o Parental Control (2006), também da MTV. A narrativa era sempre a mesma: os pais odiavam o namorado da filha e, portanto, eles armavam alguns encontros às cegas com candidatos à escolha, para que a menina se apaixonasse por outra pessoa, desse um pé na bunda do atual e passasse a sair com alguém que seus responsáveis “aprovassem”. Saudável? Não. Icônico? Com toda certeza.

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Hoje se completam as trinta e duas voltas ao redor do sol de Cari Fletcher – que, na indústria musical, é conhecida apenas como FLETCHER.

A cantora pop, nos últimos três anos, teve uma rápida ascensão, sendo reconhecida por colocar, em suas letras, relatos de seus relacionamentos com outras mulheres – cheios de sentimentos de paixão, loucura, inveja, injustiça, traição, corações partidos e um milhão de redflags. Em resumo, ela alcançou a fama por conseguir exprimir de um jeito único e sincero coisas que toda sáfica consegue se reconhecer tendo vivenciado em algum momento canônico da vida.

E nós achamos isso lindo. <3

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• Por que o Jão deu tão certo?

Um dos mais polêmicos relacionamentos de FLETCHER foi, inclusive, com a fotógrafa e influencer Shannon Beveridge, a quem a música “Birthday Girl” (do álbum Girl of My Dreams, 2022) se destina. Isso porque, como conta na canção, 385.000 pessoas nascem no mesmo dia, e mesmo assim as duas piscianas de 19 de março deram a sorte de se encontrarem nesse mundo enorme e de viverem um grande amor. (Então, com a informação dada, celebramos, também, o aniversário da Shan!)

Em detrimento da data, traremos, neste artigo, um panorama da vida e carreira de FLETCHER, que é um importante nome na cena lésbica da atualidade. 

A vida de Cari e sua discografia

(Imagem: Billboard / Reprodução)

Cari Elise Fletcher – que assina artisticamente como FLETCHER – é uma cantora e compositora norte-americana de 32 anos, natural do estado de New Jersey. Ela tem uma vida pública desde 2011, ano em que participou do The X Factor estadunidense como uma das competidoras. Em 2016, lançou seu primeiro EP autoral – Finding Fletcher, que aborda temas como identidade e autoaceitação –, sendo conhecida em especial pela música “War Paint”.

No entanto, sua fama foi escalonada alguns anos mais tarde com o lançamento do segundo EP – You Ruined New York City For Me, de 2019. Neste, em versos honestos e intensos, ela conta episódios de seu primeiro grande relacionamento afetivo com outra mulher, ressaltados por narrativas abusivas que retratam os altos e baixos de um amor em meio à traição e ao abuso psicológico, como na música “If You’re Gonna Lie” e os singles “Undrunk” e “All Love“.

Depois, e nas idas e vindas de seu namoro público com Shannon, Cari lançou, durante a pandemia, um terceiro EP tão polêmico quanto o anterior – THE S(EX) TAPES, 2020 –, que contém diversas canções produzidas em parceria com a então namorada / ex-namorada, tendo em vista que as letras são baseadas no romance de cerca de três anos das duas.

Em 2022, FLETCHER lançou seu primeiro álbum, Girl of My Dreams. Nele, ela explica, de sua forma mais nua, o processo de se reconhecer após três custosos relacionamentos, dividida entre reconstruir a si própria, lamentar os sentimentos mal resolvidos pela última namorada e entender quem será Cari dali em diante – tanto em relações, quanto na vida.

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• LGBT | Referências pop que me ajudaram a sair do armário

Ela já participou de importantes colaborações, como a coautoria do single “Cherry” (2021) com a Hayley Kiyoko, cantora cujo vulgo na cena LGBT é “Lesbian Jesus“. Também fez uma participação especial na festa de Ano Novo de Miley Cyrus em 2022, acompanhando a artista na apresentação de “Midnight Sky” – uma dança de acasalamento sáfica, se você me perguntar. Além disso, durante o ano de 2023, ela acompanhou a banda Panic! At The Disco durante seu tour de despedida na Europa, entregando um show de abertura cheio de simpatia e sinceridade.

O estilo musical de FLETCHER é uma mistura de pop, indie e música eletrônica, e sua voz única e poderosa, bem como a vulnerabilidade das composições, contribuem para a singularidade de sua abordagem.

O quarto coração partido de FLETCHER

(Imagem: FLETCHER / Reprodução)

Já que os relacionamentos são um assunto chave na obra discográfica de FLETCHER, vale darmos uma atenção especial aos que ela conta ter vivido em ordem cronológica – algo revelado em detalhes pela letra do hit “Girl of My Dreams“, décima track do álbum homônimo.

Ela inicia a canção dizendo que o “número um era um menino / e ele tinha os olhos verdes / como uma floresta / mas eu sabia que estava perdida” – explicando, portanto, que seu primeiro romance foi hétero, embora ela soubesse que aquilo não lhe cabia.

Depois, o trecho é dedicado à primeira namorada de FLETCHER, cuja identidade não é pública: “a segunda rodada foi na cidade / ela era louca, mas fazia isso lindamente / me deixou mais vazia e solitária em Nova York”.

Pode-se, assim, assumir que o EP You Ruined New York City For Me, que conta com diversas alusões a um namoro abusivo, é sobre ela. Importante destacar que esse EP foi lançado em 2019, época em que Cari já estava com Shannon – alguém sempre retratada como forte apoiadora os sonhos da artista – então nenhuma dessas referências de traição e toxicidade poderiam vir de seu relacionamento com ela.

Em seguida, temos os versos que falam sobre Beveridge – que namorou do final de 2016 até início de 2020: “e três, ela era um anjo / sim, ela poderia ter sido minha pessoa certa / mas o para sempre só durou algumas viagens ao redor do Sol / e agora estou cantando músicas de garota triste, que exagero!”.

Algumas músicas que comprovam o sentimento romântico não superado, do qual ela afirma na estrofe, são o single “Forever” (2020), e praticamente todas do EP THE S(EX) TAPES, que a cantora contou em entrevista ser um retrato da sua maior vulnerabilidade durante o período pandêmico (entre momentos de completa solidão e ocasionais remembers) no qual ela tentava digerir o fim.

A canção que encerra o EP, “Sex (With My Ex)“, documenta para todo o mundo a última vez das duas, bem como sua despedida definitiva. Nesta obra prima da música lésbica, ela trata do delicado término que supostamente ainda envolve muito amor e apego, embora a cantora esteja decidida a viver uma nova etapa da vida, sozinha.

O videoclipe, que foi dirigido, fotografado e protagonizado por Shannon, resume tudo isso de uma forma dura e pura, mascarada pela batida dançante e pela sensualidade do amor sáfico:

Por fim, mas não menos importante, chegamos no respiro da cantora ao lançar seu primeiro álbum: “eu estou no coração partido número quatro / a tequila não faz efeito mais / eu tenho um novo rebote / tô me apaixonando por mim mesma agora”.

Aqui, entendemos que Girl of My Dreams é, de fato, uma fotografia melódica desse momento de recomeço de FLETCHER – que, é claro, é gente como a gente e sofre pela ex mesmo três anos depois, mas está tentando se sentir bem de novo, sozinha. Ufa, ela é a nossa “Taylor queer“, mesmo! <3

Afinal, quem é Becky e por que ela é tão gostosa?

No primeiro semestre de 2022, a internet quebrou com o lançamento sem precedentes do single “Becky’s So Hot” e, em seguida, o explícito videoclipe protagonizado por ninguém menos que Bella Thorne, que impersona essa “hot Becky“.

Na canção, FLETCHER conta sobre como, num belo dia, stalkeando a atual da ex-namorada – a influencer vegana Becky Missal –, percebeu que, em algumas fotos, ela utilizava a camiseta vintage de estampa de carro conversível vermelho, que ela sabia pertencer a Shannon. Sendo, ela própria, atraída pela beleza única de Becky, ela entoa nos versos que também transaria com ela.

A polêmica letra causou muita comoção e êxtase da comunidade queer, até mesmo de quem nunca ouvira falar de FLETCHER. Do outro lado, Shannon e Becky sentiram-se extremamente violadas e bloquearam a cantora de todas as redes sociais. Com relação aos fãs de ambas, não houve muita tomada de lados – todos queriam ver a casa pegar fogo e, secretamente, talvez ainda shippassem as autoras do THE S(EX) TAPES.

Mas é claro que os holofotes concentrados em Cari também foram um importante diferencial na carreira digital daquele casal. Não obstante, Becky lançou, no final de 2021, uma versão comercial da “vintage T-shirt” referenciada na música, cujas vendas seriam revertidas, em doações para o The Trevor Project – organização voltada para o acolhimento psicológico de indivíduos vulneráveis na comunidade LGBTQ+.

Acatando, portanto, à farpa, a cantora fez um repost da ação e formalizou um pedido da camiseta, mas Shannon, irritada com a intromissão em seu relacionamento, pessoalmente fez um vídeo de dueto no TikTok, ressarcindo o dinheiro da ex e cancelando sua compra. Isso fez a internet questionar a intenção por trás do merchandising, que deveria ser uma forma de arrecadar fundos para a caridade…

Shannon explica a sua versão

Como mencionado nos tópicos acima, o relacionamento entre FLETCHER e Shannon Beveridge deu – e dá, até hoje – o que falar para os fãs e pessoas queer fofoqueiras de plantão nas redes sociais.

Devido a tantas músicas dedicadas para a ex, a maioria dos ouvintes acredita que Cari claramente não superou Shannon. Por vezes, inclusive, retratam esta como a causadora do término e, consequentemente, do sofrimento da artista pop.

Um evento importante e que pareceu ser a gota d’água para isso foi o encontro das duas no camarote de um show da Taylor Swift na The Eras Tour, no qual Shannon recepcionou a ex com um abraço e elas trocaram uma conversa amigável. Isso foi documentado por um fã, e logo estava bombando no TikTok.

Dias depois, FLETCHER lançou um single de nome “Eras of Us“, que basicamente fala dos encontros e dos desencontros de ambas, o que basicamente significa que o amor que ela sentia, de tempos em tempos, volta – ou melhor, nunca deixou de existir.

Para trazer a sua versão da história com clareza para todos (e também para revelar o recente rompimento com Becky), depois disso tudo, Beveridge decidiu iniciar a transmissão de um podcast semanal em dezembro de 2023. Intitulado “exes and o’s“, a mídia pode ser acessada nas mais diversas plataformas de streaming, inclusive em uma versão audiovisual pelo YouTube – canal primordial da influenciadora, que começou, afinal das contas, como youtuber.

No episódio número quatro, com participação da artista Zolita, a host expressa estar exausta dos fãs constantemente pedirem que ela vá recuperar Cari, mesmo depois de anos, porque – rufem os tambores – foi a cantora quem a deixou. Depois disso, ainda reforçou: “ela não me quer!“.

Alguns meses depois, Shannon decidiu acabar de vez com a torta de climão, e chamou uma convidada especial para o exes and o’s. Em dois episódios extremamente esclarecedores, Cari e Shan passaram longas quase duas horas abrindo o coração e deixando águas passadas – vejam só – passarem!

Esses detalhes já podiam ser assumido com uma leitura minuciosa das músicas de THE S(EX) TAPES e Girl of My Dreams (como, por exemplo, “Silence“, “I Think I’m Growing?“, “Healing” e, a mais importante, “For Cari“) que são evidências nuas e sensíveis sobre alguém lidando com as diversas etapas do fim de um romance que não queria se acabar, mas teve que ser posto no passado porque uma das partes precisava se priorizar.

De toda forma, agora a internet teve o seu ponto final. (Ufa, se essas duas tiveram um closure quatro – talvez cinco? – anos depois de terminarem, talvez isso signifique que nós podemos ter um fechamento com nossas exes… Em algum momento da vida.)

Um antídoto para redflags?

(Imagem: FLETCHER / Reprodução)

Em fevereiro de 2024, FLETCHER divulgou a data de seu novo álbum – In Search of The Antidote. Contando com os singles “Eras of Us” e “Lead Me On“, o álbum promete trazer onze faixas que refletem as dores e as felicidades da cantora nesse processo constante de se redescobrir individualmente no mundo. É necessário pontuar que Cari não se envolveu com ninguém depois de Shannon – pelo menos, não de forma pública e duradoura –, então, ela vem traçando uma jornada de autodescoberta ladeada com o crescimento de sua fama e sucesso na indústria musical.

Essa rápida relevância que teve nos últimos três anos, em especial depois da polêmica de “Becky’s So Hot“, fez com que, no final de 2023, FLETCHER pudesse sair em uma solo Eurotour de Girl of My Dreams – e foram, ao todo, 21 shows em pouco mais de um mês!

Em paralelo com o trabalho musical (que, sabemos, tem fases), FLETCHER está sempre ativa nas redes sociais. Entre shades no X e vídeos-pílula no TikTok fazendo memes com vivências sáficas e dublando suas músicas, seu nome se mantém em alta entre fãs, lésbicas, bissexuais e outras espécies – até mesmo héteros!

FLETCHER plz come (back) to Brazil

(Imagem: Lollapalooza Brasil / Reprodução)

Há exatamente um ano, FLETCHER estava chegando às terras tupiniquins, se apresentando pela primeira vez para uma multidão de sáficas se estapeando para disputar lugar na sua seleta estreia em um sideshow no Cine Joia, em São Paulo. Dias depois, estava no palco de um dos maiores festivais brasileiros – o Lollapalooza. 

Eu, como grande fã e (queira Deus) futura ex da FLETCHER, fui uma dessas lésbicas arrumando confusão para pegar grade tanto no Cine Joia, quanto no Lolla. Agora, sou também uma das lésbicas que sofre com o silêncio criativo de quase um ano da nossa maluca, que não lançou nada depois de ISOTA.

Então, Cari, onde quer que você esteja – feliz aniversário! This one’s for you.

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Mas afinal, as músicas, cantigas e poemas são tão relevantes assim para o mundo de Jogos Vorazes?

As músicas em Jogos Vorazes são mais do que apenas canções

Dentro da saga Jogos Vorazes, vemos um mundo que se rendeu completamente à barbárie. Após um aparente apocalipse, a América do Norte ressurgiu das cinzas como um novo país: Panem.

Porém, a desigualdade entre as classes sociais tornou-se ainda maior e mais arrasadora, sustentada por um frágil status quo entre a Capital e os Distritos. Quando somos apresentados a esse mundo, percebemos que a normalização da violência é tão intensa que a esperança é a última coisa que qualquer pessoa pode se lembrar.

Ao longo da história, porém, vemos que toda essa opressão, mantida por mais de 75 anos, dá origem a uma revolução que muda todo o continente. E, em meio ao caos da guerra, a música se torna algo além de um simples ato de contar histórias por meio de rimas e acordes. Ela se transforma em um símbolo de resistência.

Essa relação entre música e revolução sempre foi capaz de mudar a visão da sociedade como um todo. Trazendo para o mundo real, a música sempre impactou a sociedade e reflete a juventude de sua época. O Jazz, por exemplo, foi um estilo musical majoritariamente ligado à Comunidade Negra dos Estados Unidos. O Rock trouxe vertentes como o Punk, com suas letras antibelicistas, e o Rap, em suas origens, tornou-se um grito de resistência das periferias. A música sempre teve um papel que vai além de algo que simplesmente se escuta – ela é uma forma de expressão artística.

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E como expressão artística, a música transmite uma mensagem – e é exatamente isso que vemos acontecer em Jogos Vorazes.

Seja em A Árvore-Forca , onde temos uma música original da história que se torna um dos símbolos da revolução, incluindo uma das cenas mais impactantes dos filmes, ou emO Velho Antes , que é cantada no momento da vitória de Lucy Gray nos jogos e também funciona como uma ameaça velada à Capital, todas essas músicas são cuidadosamente pensadas e possuem uma mensagem poderosa dentro da narrativa.

A Árvore-Forca (cuja origem é explorada em A Cantiga dos Pássaros e das Serpentes) começa como a história de um amor impossível, mas acaba se transformando em um hino de levante popular contra os opressores.

Já dentro da história de A Cantiga dos Pássaros e das Serpentes, O Velho Antes funciona inicialmente como uma forma de reforçar a imagem de Lucy Gray como uma cantora tão talentosa que conquista até as mais vorazes serpentes. No entanto, além disso, a letra da música carrega um significado mais profundo: ela transmite a ideia de que, independentemente do que a Capital faça, Lucy Gray sempre encontrará uma maneira de superar suas opressões.

O Impacto da música na nossa sociedade

Mas, afinal, por que estou falando tanto sobre as músicas de Jogos Vorazes e como elas são mais do que apenas canções? Porque, assim como a vida imita a arte, também temos músicas que, em suas letras, expressam a revolta popular de uma sociedade.

No entanto, vou me afastar um pouco da temática norte-americana em que Jogos Vorazes está inserido e falar sobre a nossa realidade como brasileiros. Há não muitos anos, o Brasil passou pelo período da Ditadura Militar, e, mesmo que eu, assim como várias outras pessoas mais jovens, não tenha vivido nessa época, não podemos ignorar o impacto que esse período ainda tem nos dias de hoje.

Em tempos em que políticos, ex-presidentes e até mesmo jovens como eu idolatram esse período sombrio, é fundamental lembrar que também tivemos nossos revolucionários musicais. Alguns ainda estão vivos, como Milton Nascimento, Chico Buarque e Caetano Veloso, enquanto outros, como Raul Seixas e Rita Lee, já nos deixaram. No entanto, o impacto de suas músicas continua reverberando até hoje.

Afinal, mesmo que você não goste das músicas deles, por qualquer motivo que seja, é impossível ignorar sua relevância. Cálice, de Chico Buarque e Milton Nascimento, por exemplo, é uma crítica velada ao governo brasileiro da década de 1970, período de maior repressão durante a ditadura.

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Outro grande exemplo de música que aborda a resistência de forma velada é Mosca na Sopa, de Raul Seixas.

É claro que há muitos outros exemplos de músicos que, por meio de suas canções, buscaram expressar o sentimento de revolta diante da situação do país. Um exemplo mais recente é a banda Legião Urbana, que surgiu após o fim da Ditadura Militar, mas ainda abordava em algumas de suas músicas a insatisfação com um Brasil recém-saído desse período e que continuava enfrentando diversos problemas, além da repressão militar.

A música sempre foi e sempre será um meio de revolta

No final das contas, o que quero dizer com este texto é que a música sempre desempenhou um papel fundamental como ferramenta de mudança cultural. Seja intencional ou não – e eu acredito que quase sempre seja intencional –, a música expressa os sentimentos de uma sociedade em determinado período.

Nosso papel, muitas vezes como ouvintes, é compreender que toda música tem sua importância dentro desse processo de transformação. É claro que sempre haverá músicos que preferem não “cutucar” esse vespeiro e escolhem direcionar sua arte para outros temas – e isso também é válido.

Porque, no fim das contas, a música, em sua essência mais pura, é algo que usamos para aliviar a dureza da realidade. Seja você um carvoeiro do Distrito 12 em Panem ou apenas um trabalhador CLT no Brasil, sempre buscamos na música uma válvula de escape para um mundo que, muitas vezes, se mostra cruel e opressor.

Mas e você, acha que a relação entre as músicas de Jogos Vorazes e o mundo real é válida? Conte para a gente nos comentários.

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Desde o final de 2024, o longa vem se destacando no cenário cinematográfico internacional, acumulando prêmios importantes, como o Festival de Berlim e Festival de Londres. Além disso, conquistou o Independent Spirit Award 2025 e concorreu ao BAFTA 2025. Considerado um forte candidato ao Oscar 2025, as expectativas vem aumentando para a premiação.

História e Roteiro

Primeiramente, vale destacar a escolha da tradução do título do filme. Lançado no Brasil como Sem Chão, a tradução literal seria Sem Outra Terra. Essa adaptação foi acertada, pois transmite não apenas a perda de um lar físico, mas também a sensação de desamparo e instabilidade vivida pelos personagens.

Se a maioria dos documentários de guerra foca na política e nos líderes, deixando os civis como coadjuvantes, Sem Chão inverte essa lógica. Aqui, as vítimas são o centro da narrativa. Aliás, a câmera não se distancia do sofrimento das pessoas – pelo contrário, mergulha em suas dores e incertezas. Contudo, algumas cenas são particularmente difíceis de assistir, como a demolição de uma escola e o tiro que deixa o primo de um dos diretores tetraplégico.

Outro ponto forte do documentário é a forma como constrói o contraste entre seus diretores. De um lado, Basel Adra, palestino, que vê sua terra ser destruída. Do outro, Yuval Abraham, israelense, cuja presença na equipe gera desconfiança entre os próprios palestinos. Há momentos em que essa tensão fica evidente, como quando Abraham é confrontado por ter uma casa para voltar, enquanto os palestinos não têm mais para onde ir. Entretanto, o filme não se aprofunda nessa dualidade, mantendo o foco no impacto humano da destruição.

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Parte técnica do longa

Visualmente, Sem Chão combina gravações caseiras, feitas no calor do momento, com registros antigos do vilarejo, criando um contraste poderoso entre o passado e o presente. A fotografia, mesmo simples, é eficiente ao transmitir a solidão, a precariedade e a resistência das famílias. Um dos momentos mais comoventes é quando o primo de Adra, recém-saído do hospital, precisa morar em uma caverna improvisada por falta de alternativas.

O documentário também apresenta a escalada do conflito na região. Poucos dias após as filmagens, Israel iniciou a guerra contra o Hamas. Como consequência, forçou as últimas famílias que ainda resistiam em Masafer Yatta a sair definitivamente.

Mesmo com sua estética amadora, Sem Chão é um filme poderoso, que incomoda e exige reflexão. Ao dar voz às vítimas, ele expõe uma ferida que continua aberta e nos lembra que, quase dois anos depois, a guerra ainda não terminou.

‘No Other Land’/ “Sem Chão”

Diretores: Basel Adra, Hamdan Ballal, Yuval Abraham e Rachel Szor

Onde Assistir: Estreia nos cinemas dia 13 de março

Nota: 4,5/5

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Embora compartilhe os ideais de igualdade e justiça de seu antecessor, Steve Rogers, Sam tem uma visão mais realista do mundo e de como o sistema realmente funciona. Sua jornada promete redefinir o significado do escudo e o papel do Capitão América em um contexto político cada vez mais complexo.

O Capitão de Steve Rogers e a Crítica ao Sistema

Inicialmente, Steve Rogers simbolizou a idealização dos Estados Unidos e o sonho americano das décadas de 1940 e 1950. Como um herói patriótico, ele representava a luta contra ameaças globais, como visto na icônica capa da primeira edição de Capitão América, onde ele é retratado socando Adolf Hitler. Então, se tornou reflexo do imenso sentimento patriótico dos americanos, unindo as classes sociais contra o nazismo.

Contudo, com o passar do tempo, Rogers percebe que o governo nem sempre age com integridade. Aliás, isso fica evidente em Capitão América: Guerra Civil (2016), quando ele decide se opor ao Acordo de Sokovia, percebendo que aqueles que ele seguia agora estavam do outro lado da batalha.

Enquanto Steve Rogers permanecia congelado, o governo tentou recriar o soro do super-soldado, mas de forma cruel e desumana. Em Falcão e o Soldado Invernal, conhecemos Isaiah Bradley, o primeiro Capitão América negro, que surgiu nos quadrinhos em 2003. Ele foi um dos poucos sobreviventes de um experimento militar secreto. Infelizmente, Bradley passou 30 anos preso, foi usado como cobaia para novos testes com o soro, o que afetou sua saúde mental e fez com que ele desenvolvesse um profundo ressentimento contra o governo e os militares, além de ser apagado da história. O Bradley só foi reconhecido no final da série. Entretanto, enquanto era condecorado, em ‘Admirável Mundo Novo’, o mesmo tenta matar o General Ross na Casa Branca.

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Sam Wilson: Um Capitão América para os Tempos Modernos

Sam Wilson, o atual Capitão América, compartilha os valores de justiça de Steve Rogers, mas possui uma visão mais crítica sobre seu país. Nos quadrinhos, a edição #12 da HQ do Falcão aborda essa realidade ao mostrar Sam sendo preso injustamente por ser negro, enquanto a polícia deixa um criminoso branco em liberdade. Esse episódio ilustra a desigualdade racial presente no sistema de justiça.

Essa questão também aparece na série Falcão e o Soldado Invernal (2021), especialmente no discurso impactante de Sam. Nele, ele critica como os governantes, muitas vezes, tratam com descaso aqueles que voltaram do Blip, além de imigrantes e até mesmo ele, simplesmente por ser um Capitão América negro. Dessa forma, sua versão do herói não é apenas um símbolo de esperança, mas também um lembrete poderoso de que o patriotismo não deve ser cego. Pelo contrário, ele precisa reconhecer falhas e, acima de tudo, buscar justiça para todos.

Representatividade e o Impacto

No livro ilustrado da Marvel A Hero Looks Like You (“Um Herói Que Se Parece com Você”, em tradução livre), acompanhamos a jornada de um garotinho negro que busca um herói para se identificar. Durante sua busca, ele encontra inspiração em Sam Wilson, o Falcão, que assumiu o manto do Capitão América. A história transmite uma mensagem poderosa: qualquer pessoa pode ser um herói, independentemente da cor da pele ou da origem. O livro reforça a importância da representatividade e mostra que o legado do Capitão América vai além de um escudo – trata-se de coragem, justiça e inclusão.

Assim como Luke Cage, que se tornou um símbolo da resistência da comunidade negra nos anos 1970, Sam Wilson traz um novo significado para o manto do Capitão América. Ele vai além do heroísmo tradicional, usando sua posição para lutar ativamente por equidade e justiça social.

O Futuro do Capitão América no MCU

Afinal, com essa nova abordagem, o que significa ser o Capitão América nos dias de hoje? Como Sam Wilson pode redefinir esse legado em um mundo que ainda luta contra injustiças? Essas são questões que o filme promete explorar, deixando no ar um questionamento maior: quem são os verdadeiros heróis da nossa sociedade?

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Nesta quinta-feira, 13 de fevereiro, chega aos cinemas o mais novo lançamento da Marvel Studios: Capitão América: Admirável Mundo Novo, o quarto filme da franquia. Mas desta vez, estrelado por Anthony Mackie no papel de Sam Wilson, marcando assim, a primeira vez que vemos o herói empunhando o icônico escudo nas telonas. E o que a princípio, retrata a imagem de um homem negro à frente desse símbolo de esperança pode ser inspiradora, se perde em uma trama que é tudo menos inspiradora. Logo fica claro ao público que o filme é tão raso e desprovido de ousadia quanto os outros projetos recentes da Marvel. Para a tristeza e infelicidade daqueles que tanto esperavam e queria ver o crescimento desse personagem como o simbolo que ele merece ser. (veja o trailer aqui)

E é com pesar que as palavras a seguir são dirigidas tanto aos leitores quanto à Marvel. Se você acompanha o estúdio, sabe que, nos últimos anos, a Marvel, antes conhecida como “A Casa das Ideias”, passou a priorizar a quantidade em detrimento da qualidade. Como resultado, uma série de filmes e séries fracas, com histórias e vilões mal construídos, invadiram os cinemas e o streaming. A necessidade da Disney de preencher lacunas em seu serviço de streaming e a ganância por mais bilhões no box office deram um novo apelido ao estúdio: “A Casa Sem Ideias”. E, mais uma vez, escrevo isso com pesar.

O CAPITÃO AMÉRICA

Agora, vamos ao ponto central dessa crítica. Sam Wilson retorna às telonas, mas desta vez com um papel mais importante: ele agora carrega o símbolo de esperança e coragem. No entanto, apesar de ter estrelado uma série ao lado de Bucky, que explorou questões sobre sua vida pessoal, Sam chega a este filme com um vazio imenso, algo que o estúdio simplesmente ignorou. Quais são as premissas e crenças desse herói? Por mais que o telespectador possa conhecer sua jornada, as palavras que colocam a boca do personagem são vazias e sem emoção.

Os filmes do Capitão América sempre abordaram, de alguma forma, a política. Sua primeira aparição nas HQs foi com ele socando Hitler. O Capitão América sempre foi político, desde o começo. E, por mais que você fosse de qualquer nação, ver aquele homem socando uma pessoa tão cruel unia os públicos. Nos cinemas, o DNA político do herói seguiu firme. Nos três filmes de Capitão América, vemos Steve enfrentando forças governamentais, espiões infiltrados e até o próprio governo. Desde o segundo filme, Sam Wilson esteve ao lado de Steve, abraçando essas ideias. Assim, já conhecíamos um pouco sobre sua índole e suas crenças. E aqui, era um grande lugar para vermos esse herói tomando o lugar e suas crenças de uma forma única e como o tal merecia. Mas já te adianto, que esse filme está bem longe de ser mais um posicionamento de personagem. A preocupação do estúdio para não fazer de Ross um reflexo de Trump é muito maior, então assim, a maior cai na maior cilada que ela mesmo construiu: criar um personagem extremamente político, mas que o estúdio tem medo de ser político.

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O SAM WILSON

Essa nova hostória se dá com a ida de Sam ao lados das forças armadas ao México pare recuperar uma arma, que logo de cara ele é informado que as informações sobre a mesma são de sigilo, até mesmo dele – e, sinceramente, Marvel, por que o México? A vitória nessa missão leva Sam e seu novo púpilo Joaquim Torres (que está assumindo o manto de Falcão) à casa branca, com os cortejos presidenciais pela missão bem sucedida. E aí assim, somos introduzidos a um Sam, um Capitão América que agora trabalha ao lado de Thaddeus Ross. Se você não lembra, Ross foi o responsável por acirrar a rixa entre os Vingadores em Guerra Civil. A diferença é que agora o personagem é interpretado por Harrison Ford, que claramente não parece entusiasmado com o papel. É claro que as piadas sobre a mudança do ator estarão tão sem graças (na boca de Ford) e bem servidas para o público.

Agora, como aliado do governo, Sam Wilson posa para fotos ao lado do mesmo homem que causou a separação dos Vingadores. Por qual razão? Não sabemos, e provavelmente a Marvel também não sabe. A situação já é estranha o suficiente. Mas, como se não bastasse, toda a situação estranha que essa personagem se meteu, Sam decide que levar Isaiah Bradley para a Casa Branca é uma boa ideia. E vamos a um pequeno parenteses sobre o Bradley, torturado e usado como experimento pelo governo americano, na intenção de recriar o super soro que deu poderes ao Steve, ele e outros quase 300 soldados negros foram mantidos em cativeiro durante a segunda guerra mundial dentro dessas circuntancias. Quando conseguiu retornar aos Estados Unidos, foi preso e condenado a prisão perpetua.

Apesar das boas intenções e do coração generoso de Sam, a pergunta que fica é: por que ele levaria um homem torturado pelo governo dos EUA para o coração do poder que o colocou nessa situação? Não vou nem mencionar a conveniência de roteiro aqui, porque esse não é o ponto. A questão é: por que ele acha que isso seria algo bom para ele ou para os que ele defende? Mesmo após tudo o que ocorreu nos últimos anos, com o governo se recusando a aceitá-lo, por que ele estaria nesse contexto? A sua busca por uma aceitação parece muito maior do que a de seus principios.

A essa altura, a confusão de ideias e intenções de Sam impede que o telespectador se conecte com ele. É necessário se lembrar diversas vezes que esse é um personagem que você gosta e acredita, e é claro que essa foi uma das coisas que a Marvel precisou mexer no filme em suas regravações. A falta de evolução e discurso político na boca de Sam traz a necessidade de trazer outro personagem para lembre não só a ele mas também ao público o porque ele ser o capitão américa. E aí que, pela primeira vez ouvimos um: “É porque você inspira as pessoas.”. Mas, após mais de uma hora e meia de filme, com esse personagem claramente trabalhando ao lado do vilão, se colocando em situações que você não consegue acreditar, buscando uma aprovação popular e governamental… tudo que você não irá se sentir é inspirado.

Queremos torcer por ele, nos emocionar, rir e nos segurar na cadeira com seus desafios. No entanto, a Marvel Studios torna quase impossível essa conexão. O único momento em que lembramos por que gostamos dele é quando ele divide a tela com outro personagem. Claro, o estúdio tentou colocar Sam em uma posição de mentor para o Joaquin, algo que remete à dinâmica de Tony Stark e Peter Parker, com algumas risadas leves, mas com a falta de tudo que a há envolta, isso não é o suficiente para fazer o filme minimamente agradavel.

A CULPA AINDA É DA MARVEL

Tudo isso parece uma tentativa de dar ao público uma amostra do que seria Sam liderando os Vingadores. E, infelizmente, ficamos com dúvidas se isso vai funcionar. Uma das razões para esse filme existir é, além, claro, de fazer milhões (ou quase bilhões), continuar a história do Capitão América. Ele serve como uma ponte para a Marvel, que precisa reunir os Vingadores novamente, mesmo que a maioria das pessoas nem se lembre por que eles estão separados, e mostrar que Sam Wilson será o responsável por uní-los. É claro que o estúdio tem tentado construir algo como os Jovens Vingadores, mas sem os personagens clássicos que o público ama e sem uma conexão real com os novos heróis, o sucesso parece incerto. Talvez seja hora de deixar esse time em hiato e focar nos mutantes.

Está na hora de voltar a ouvir pitching de ideias, colocar a necessidade de procurar boas histórias para contar acima da necessidade de fazer milhões, e assim como antes, um será consequência do outro. Pois não podemos ser bobos, essa é a única razão pela qual grandes estúdios entram nessa jogada de produzir filmes investindo milhões. Talvez a consultória de pessoas que entendam de roteiros e desse universo antes de colocar seus filmes em produção possam salvar milhões e uma legião de exaustão do seu mais do mesmo.

Em Capitão América: Admirável Mundo Novo, o telespectador é guiado por uma jornada sem rumo, sem profundidade, com personagens mais frios que o próprio Capitão antes de ser resgatado do gelo. Ao final, fica a pergunta: Que admirável mundo novo é esse? E a verdade, meus caros leitores, é que nem a Marvel sabe. O que nos resta esperar é que este grande erro de priorizar a quantidade em detrimento da qualidade sirva de lição para a Marvel e outros estúdios apressados em entregar seus produtos. Esse caminho leva à queda, não à estabilidade.

Crítica: Capitão América: Admirável Novo Mundo

Diretor: Julius Onah
Elenco: Anthony Mackie, Giancarlo Esposito, Danny Ramirez, Harrison Ford e outros.

Onde Assistir: Cinemas

Nota: 2/5

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Chegou a hora de falar sobre a segunda temporada de “Arcane” que, desde o seu lançamento, tem quebrado recordes e a própria internet com a introdução de histórias paralelas e outros elementos exploráveis das lendas de Runeterra.

Desde 2021, gamers e não-gamers esperam pela continuação de Arcane, série animada em streaming na Netflix, baseada no universo do jogo League of Legends. Lançada em novembro daquele ano em uma coprodução da Riot Games com a Fortiche Productions, ela se sustentou no top 1 das mais assistidas do Brasil por semanas, bateu recordes de notas em base de dados variados, e conquistou diversos prêmios no Annie Awards e no Emmy, que falei mais neste artigo.

Arcane explora a relação entre duas cidades-Estado: Piltover, conhecida como a “Cidade do Progresso”, e Zaun, uma subferia industrial marcada por pobreza e desigualdade, que fica na zona periférica e subterrânea de Piltover. A série foca na origem de personagens icônicos de League of Legends, e o enredo inicialmente se centraliza na relação conflituosa das irmãs Vi e Jinx, mostrando como eventos traumáticos moldaram suas personalidades e os colocaram em zonas extremas de uma guerra com muito mais do que dois lados.

Porém, enquanto, na primeira temporada, o desdobramento entre as irmãs (bem como a relação de Vi e Caitlyn, e a relação de Jinx e Silco) são o foco, com as demais personagens servindo para completar alguns arcos na ambientação, na segunda temporada, diversos outros núcleos têm maior destaque, mesmo que sem deixar o jogo político deixar de ser uma temática relevante. E é sobre esses núcleos, em especial àqueles que deixam o gostinho de quero-mais para séries paralelas, que falaremos neste artigo!

ATENÇÃO: Este artigo contém spoiler, então, caso você ainda não tenha visto a série, agora é um ótimo momento para começar a maratonar!

Crítica: a urgência de temas em Arcane II

[Imagem: Riot Games, Fortiche Productions e Netflix]

Mas antes, precisamos falar sobre a velocidade em que a história se desenrola em Arcane II. Li esses dias uma resenha que criticava a rapidez da sucessão de acontecimentos, e tive a impressão que um fator que pode influenciar nessa sensação é a multiplicidade de planos de espaços-tempos nessa segunda temporada.

Há um trecho da série em que oscilamos entre plano real (crescente guerra entre Piltover e Zaun, ou seria Piltover e Noxus?), plano astral (Viktor consumido pelo arcano trabalhado em conjunto com a essência de Sky), dimensão paralela de Ekko e Heimerdinger, dimensão paralela de Jayce no pós-apocalipse, e a prisão mágica da Rosa Negra sobre Mel Medarda. Isso sem contar, é claro, com as idas e vindas do passado para explicar um pouco mais da relação familiar dos pais das meninas com Vander e Silco.

Para quem assiste sem muito repertório de LoL, algumas coisas podem parecer jogadas e sem muita amarração, mas meu lado fã fanático não permite julgar isso com negatividade, e sim busca entender a semiótica por trás. Afinal, estamos falando de uma guerra entre seres humanos (e hominídeos), mas que ao final se revela ser uma guerra da humanidade contra as máquinas. Típico clichê de qualquer distopia futurista, mas salientada em drama e fantasia, uma cor que só as lentes do universo produzido pela Riot poderiam dar. 

Mesmo assim, desde a temporada anterior, ficava claro que a série tinha muitas histórias para resolver… Para quem conhecia os Campeões do Rift pelo jogo, sabia-se que haviam personagens ainda não totalmente desenvolvidos, como Ekko, que terminou a primeira parte de Arcane muito antes de “estilhaçar o tempo”.

O segundo ato da temporada 2 trouxe um alívio nesse sentido, conectando enredos soltos e preparando o terreno para um desfecho convincente. Ainda assim, algumas subtramas poderiam ter sido trabalhadas de forma mais detalhada.

Os maiores problemas de Arcane II, eu diria, estão no desenvolvimento inconsistente de Jayce e no drama sáfico pouco explorado que permeia o arco romântico entre Caitlyn e Vi. 

Apesar de ser peça-chave por introduzir o Hextec, Jayce é facilmente manipulado pelas pessoas ao seu redor, e quando finalmente demonstra amadurecimento, não há tempo suficiente para tornar sua redenção crível. A série tenta resolver esse arco às pressas, mas o impacto fica aquém do esperado.

Já o casal que, desde a primeira vez que contracenou, demonstrou um alto teor de tensão sexual, deixa que o espectador adivinhe os sentimentos que existem por trás da passagem temporal abrupta entre os atos. Estamos entre uma Caitlyn, oficial condecorada e líder de sua casa, que é transformada pela perda de um ente familiar, e uma Vi solitária, que afoga as mágoas da própria existência entre se embebedar, dar porrada em homem e por vezes se fazer de saco de pancadas e, por trás de tantas palavras não ditas, não entendemos o que causa a súbita reconexão entre as duas e a mudança que faz Caitlyn “voltar a ser boazinha”.

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Essa pressa, talvez reflexo do alto custo de produção – Arcane é conhecida como uma das animações mais caras já feitas –, acaba ironicamente destacando o potencial dos episódios mais pausados. Um dos momentos mais marcantes da série é justamente aquele que permite ao enredo e aos personagens respirarem. E sim, estou falando do episódio que faz o coração de Ekko, e de todos nós, amolecer…

E por falar em temas…

Arcane é uma série empoderadora. Por mais que contenha personagens masculinos, a esfericidade das personagens femininas é arrebatadora – não à toa, performam o eixo principal da série: a dualidade do amor e da lealdade de Vi, que se segmenta em duas figuras antagônicas e que a torna uma protagonista que sempre molha os pés em solidão, incapaz de encontrar paz em nenhum dos lados.

Falei sobre a importância da representação das mulheres no review que fiz sobre a primeira temporada. Recomendo a leitura!

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Mas, como dito, a segunda temporada, no seu multiverso de temáticas, ressalta a importância das tramas pessoais de alguns outros personagens, e suas análises nos levam a conclusões cheias de moral e ensinamento.

• Isha e o culto a ídolos pelo explorado

[Imagem: Riot Games, Fortiche Productions e Netflix]

No segundo ato da temporada, somos introduzidos a Isha, uma criança que conquista um espaço emocional para a nossa tão amada e odiada Jinx. Desde a sua primeira aparição, a série faz paralelos entre ambas e a relação fraterna que Powder tinha com Vi. Não à toa, Isha, que está fugindo de homens maus, dá um salto em direção à sua segurança, mas acaba acidentalmente caindo sobre Jinx. O mesmo acontece com Powder no primeiro episódio da série – a diferença é que Vi a segura por querer.

Isha é retratada, ao mesmo tempo que um espelho de Powder, uma âncora para ela se resgatar da persona vilanesca de Jinx. Mas, na verdade, a criança, por si só, tem uma simbologia ainda mais importante para o enredo geral do contexto de Arcane II.

Voltemos para a cena inicial – Isha fugindo pela sua vida. Ela corre pelos becos e vielas de homens com aparência bandidesca e utiliza um capacete como o de trabalhadores de mina, o que pode demonstrar suas raízes proletárias, e talvez até induzir que ela é uma criança que sofre de trabalho infantil. Em um salto de uma tubulação a outra, entre dois prédios, ela falha ao se segurar e cai sobre Jinx. Jinx mata os capangas que a perseguem e, a partir daí, a idolatria é instantânea: além de reconhecê-la como uma das mais renomadas figuras da luta de Zaun, também há, aí, a gratidão. Isha, afinal, a deve sua vida.

Quando, ainda nessa cena, com a criança caída ao seu lado, Jinx recupera o chapéu de mineração de Isha e o coloca de volta em sua cabeça, simbolizando proteção. E, quando Isha resolve seguir Jinx, o chapéu de mineração cai novamente. Ela o retoma, mas isso alude à falta de autopreservação da personagem, que se mostra cada vez mais evidente a cada batalha que as duas enfrentam juntas. A lealdade transpassa a relação de fraternidade que elas constroem. Isha não espera ser salva por Jinx; Isha quer salvar Jinx. 

Entenda: Isha está numa idade onde ainda é difícil ponderar bom e mau. Para ela, Jinx – suas ações, seus ideais – é inteiramente boa. A inocência de Isha coloca Jinx num patamar de idolatria. Isha picha muros, ressaltando Jinx como o símbolo da resistência, e se traveste dela, operando até quando a mais velha insiste em se omitir, apenas para tornar a sua memória viva mesmo para aqueles que não acreditam no retorno de Jinx às ruas de Zaun. Ela estaria disposta a morrer por Jinx, como faz em diversos momentos, até a batalha final que predita a Evolução Gloriosa. Ela ama Jinx, mas acima de tudo, ela ama o que Jinx representa.

O mutualismo dessa relação de autonomia e de liberdade é o que torna ela ainda mais bonita. Jinx é a esperança de Isha; Isha foi quem retomou a esperança de Jinx de continuar vivendo… Mesmo em seu ato final.

• Ekko e sua realidade paralela não-tecnológica

[Imagem: Riot Games, Fortiche Productions e Netflix]

Quando multiversos são apresentados em enredos que destoam do tema, a chance do arco cair em trivialidade é alta. Porém, Arcane II conseguiu fugir do lugar-comum com a mensagem repassada pela realidade paralela vivida por Ekko e Heimerdinger.

Fora a necessidade de trazer à tona uma das principais habilidades do personagem em League of Legends (a capacidade de voltar alguns segundos no tempo), a Netflix e a Riot Games refletem, neste episódio arrebatador, sobre um mundo sem tecnologia.

Ora, a guerra cabalística da temporada já fala justamente disso, mas com uma abordagem centrada no impacto da tecnologia sobre as relações humanas e o equilíbrio entre progresso e destruição. No entanto, a realidade alternativa vivida por Ekko e Heimerdinger amplia a reflexão ao mostrar um mundo onde avanços tecnológicos foram substituídos por um retorno à simplicidade, ressaltando os dilemas éticos e emocionais de viver sem as ferramentas que moldam nossa existência atual.

Para além disso tudo, o amor entre Ekko e Powder (já que, nesse mundo, Jinx não existe) revela o grande “e se…?” da vida do personagem, cuja escolha de voltar para sua vida primária determina o arco final da série. Ekko dá as costas à realidade que sorria a seu favor, com a maioria dos amigos ainda vivos, com uma família e, principalmente, do amor aceso entre si e uma pessoa que não chegou sequer a existir na vida real.

E, tendo deixado aquela Powder para trás, ele enfrenta a dura verdade de não reconhecê-la em Jinx. Mesmo assim, insiste em voltar, e voltar, e voltar quantas vezes for no tempo para impedir que ela desista da vida e da única pessoa que ela ama naquele plano – Vi. Ekko abriu mão do amor, para ser o responsável de que os demais não abram mão também.

• Jayce e o Mito da Caverna invertido

[Imagem: Riot Games, Fortiche Productions e Netflix]

Se no Mito de Platão a sociedade só vê as sombras e, ao sair da caverna, descobre que nada é como parecia, Jayce precisa ser enviado ao futuro e cair – literalmente – para entender um pouco da realidade de Viktor.

No fundo de uma Piltover destruída, o “náufrago” Jayce tem que perseverar para superar a adversidade de sua perna lesionada e conseguir subir até o edifício onde os Hexportals assolaram tudo. Nesse momento, fica clara a referência que a série traça entre os ex-amigos. Jayce tinha empatia pelo amigo, embora não o entendesse. Enquanto culpabiliza Viktor por se entregar ao arcano e traçar escolhas que levam ao fim do mundo, Jayce também vive em sua pele, e só então passa a enxergar as coisas de forma nua e crua (talvez, como o próprio Viktor, ainda humano, já enxergava).

Sobretudo, foi só então, durante essa árdua e solitária jornada de reconhecê-lo como uma ameaça mundial, que ele pôde encarar o próprio destino. No passado, ele foi resgatado de uma nevasca por um misterioso mago, evento que moldou sua perspectiva sobre a magia e inspirou o desenvolvimento do Hextec. Contudo, é, nos episódios do segundo ato da segunda temporada, se descobre que, na verdade, o mago era uma versão alternativa de Viktor, proveniente de uma linha do tempo onde a humanidade foi transformada em autômatos desprovidos de emoção. Essa reviravolta entrelaça ainda mais os destinos de Jayce e Viktor, redefinindo a trajetória de Jayce como o “Defensor do Amanhã”.

É como o professor Heimerdinger o falou na primeira temporada: “Nenhuma grande ciência deveria colocar vidas em perigo”. Assim, a moral da história do arco de Jayce defende a importância de ouvir os outros, especialmente aqueles que são mais velhos e mais experientes do que nós (como Heimerdinger), bem como respeitar os sentimentos e as escolhas daqueles que amamos (tal qual aconteceu com Viktor, antes que ele criasse sua relação simbiótica com o Hextec).

• Caitlyn e suas constantes “mudanças por amor”

[Imagem: Riot Games, Fortiche Productions e Netflix]

Caitlyn é, sem dúvidas, uma das personagens centrais dessa temporada, chegando a deixar, talvez, Vi em segundo plano. Sua crescente personalidade dá uma guinada absurda logo no final do primeiro ato, e nós podemos perceber como a perda de um ente querido a faz amadurecer…

Eu me lembro de achar singular a forma com como Caitlyn lidou com o luto. É claro, nem tudo ali foi por iniciativa própria – o golpe de Ambessa falou por si só –, mas Cait foi grandona e sem medo para assumir a responsabilidade. Dias antes, era apenas uma jovem ingênua e confiante, que aos poucos rompia a alienação vinda do berço. Então, ela se tornou a líder da casa Kiramman e uma oficial condecorada, comandante do estado de sítio que se declarou a cidade de Piltover.

Foi tudo demais para ela, eu diria. Conciliar os novos deveres, a importância e adoração vinda dos demais, a mentoria recebida de Ambessa e o ódio cego que cultivava por Jinx (e que lentamente se estendia a Zaun como um todo) foram alguns dos fatores que a mantiveram afastada de Vi. Como enfrentar uma guerra e amar alguém em quem não se pode confiar? E assim, a perda da compaixão e inocência de Caitlyn veio tão logo quanto a insanidade que tomou controle das suas ações.

Essa já não era a mesma Caitlyn da primeira temporada. E também, não era uma Caitlyn digna da adoração de Vi.

Nessa montanha-russa em que se colocou pelos lutos (tanto pela mãe, quanto por seu relacionamento afetivo com Vi), o espectador assiste seu senso de moral diminuir. Caitlyn muda. Se deturpa tanto que poderia atirar inescrupulosamente em uma criança.

Mas ela já havia mudado antes. Foi, ainda num estado de pureza de sua índole, ao conhecer e se afeiçoar por Vi, que ela deu à Subferia tantas chances ao longo da primeira temporada de Arcane. Ao lado daquela lutadora de cabelo rosa, a bravura de Caitlyn em desbravar Zaun também tinha espaço para a benevolência. 

E, quando pensamos que Caitlyn está perdida por completo, quando ela está há algum tempo mantendo um relacionamento com uma de suas subordinadas apenas para mitigar a dor (Maddie), quando parece que se embriagou do impulso tirano e orgulhoso de ceder aos caprichos de alguém que, em verdade, só estava a manipulando (Ambessa), há o reencontro.

Num piscar de olhos, todo o arco odioso no qual a personagem caiu se resolve. Elaborando um plano de ação em conjunto com Vi, entre indiretas e olhares cheios de tensão e sentimentos mal resolvidos, temos uma Caitlyn razoável de novo.

É essa queda inevitável, mas também a possibilidade de reascensão, que a torna uma heroína tão boa, tão verossímil. O amor fala mais alto. Mesmo com tanto poder nas mãos, Caitlyn é capaz de perdoar o passado e confiar no futuro. 

• Jinx, seu cabelo e sua personalidade fragmentada

[Imagem: Riot Games, Fortiche Productions e Netflix]

A suposta “morte” de Jinx poderia até ser clichê, se não fosse extremamente conclusiva para sua redenção. E não, não à ótica do espectador. Nós, desde o começo, sabemos que Jinx é uma vítima da inevitabilidade dos fatos e, por mais que ela seja retratada como vilã em muitos momentos, nós nos sentimos compadecidos por sua história.

Mas é aos olhos de si própria que ela precisa se redimir. E, por mais que Vi, Isha e mesmo Ekko tenham enxergado a coexistência de Powder e Jinx, isso só começa a ser claro para a personagem quando ela se conecta com a irmã mais velha na expectativa de salvar o pai e, por fim, quando ela se sacrifica. 

Essa personalidade fragmentada e a busca por identidade vai sendo sutilmente mostrada no cabelo da personagem ao longo dos atos. O desespero e a profunda imersão na volátil Jinx se dá ao passo que ela se sente, mais uma vez, traída pela irmã, na cela da prisão de Piltover. Ali, seu cabelo está solto e mais comprido do que nunca, extravasando o comprimento da usual trança da sua persona “Gatilho Desenfreado”.

Mas, depois da fuga, quando ela está prestes a dar um fim ao próprio sofrimento, percebemos que seu cabelo foi cortado, e agora se encontra quase do mesmo jeito da inocente Powder criança, ou da Powder trabalhadora e inventiva da realidade paralela vivida por Ekko.

Assumir para si mesma que dentro de si há ambas – Jinx e Powder, Powder e Jinx – leva a personagem a uma outra representação: ela aparece no capítulo final dotada de uma franja tingida de rosa, uma marca da maturidade, talvez inspirada pelo amor que ela tanto guarda pela irmã – elemento também precursor de sua rebeldia.

O perdão aí, também, se revela como a aceitação definitiva de quem ela realmente é: um amalgama de traumas, esperanças, amor e desespero. Jinx não precisa mais ser apenas Powder ou apenas Jinx, mas ambas coexistindo, em um equilíbrio imperfeito, como reflexo de sua jornada.

Sua redenção, portanto, não é sobre apagar os erros ou voltar ao passado, mas sobre abraçar todas as partes de si mesma e encontrar força nessa dualidade. O arco de Jinx conclui-se como um retrato profundo e trágico de uma personagem que, mesmo perdida no caos, luta para construir uma identidade própria, marcada tanto pelo amor que a define, quanto pelo sofrimento que a molda.

Arcane II e os diálogos não ditos com outros Campeões de League of Legends

Fala-se muito de Vi, Caitlyn, Jinx e Jayce, mas Arcane, desde o início, tem mostrado outros personagens relevantes para a lore do jogo, e muitas vezes sem nem nomeá-los. Aparecendo de forma fixa ou não, tomam parte na história embasando ações secundárias ou mesmo trazendo curiosidades sobre o universo. 

Outro fato curioso é que as habilidades dos Campeões Viktor, Ekko e Heimerdinger, três figuras pertencentes ao elenco central, demoram para se revelar na série; enquanto isso, Ambessa se tornou um Campeão de LoL apenas depois da primeira temporada de Arcane, sendo anteriormente introduzida ao espectador pela cinematografia. E alguns vazamentos recentes confirmam que Mel Medarda será a primeira Campeã a ser lançada em 2025.

A seguir, trataremos de alguns Campeões escondidos ou nunca oficialmente nomeados, que fazem parte da série:

• Singed

[Imagem: Riot Games, Fortiche Productions e Netflix]

Um dos principais personagens de Arcane que nunca são chamados pelo nome, o alquimista pode ser reconhecido por qualquer fã do jogo por sua fisionomia física e por sua história – afinal, ele é o grande cientista louco que criou a cintila e permitiu que as ruas de Zaun fossem dominadas pelos Barões da Química. O elenco o trata como “Doutor”.

• Warwick

Também de alta relevância para a história, Warwick é a criação que Singed tanto se dedica durante a primeira temporada, aparecendo apenas em pequenas cenas de “spoilers”. O espectador já esperava que ele surgisse na segunda temporada, mas talvez não soubesse que ele seria, na verdade, uma versão transformada de Vander. Assim, na série, o nome “Warwick” também não existe. Mesmo aqueles que o utilizam como ferramenta de guerra só se referenciam a ele como “besta”, “arma”, entre outros.

• “LeBlanc” (Rosa Negra)

[Imagem: Riot Games, Fortiche Productions e Netflix]

A organização da Rosa Negra é uma cabala, um grupo que se utiliza do oculto para alcançar seus feitos, grande parte deles envolvendo a manipulação política de Noxus e outros pontos de Runeterra. Em Arcane, é apresentado como o grande antagonista de Ambessa – o único capaz de deixá-la desesperada. De toda forma, no jogo, a Rosa Negra é fruto da poderosa LeBlanc, uma maga centenária com muitos rostos (e uma das Campeãs mais antigas do jogo).

• Swain (easteregg)

[Imagem: Riot Games, Fortiche Productions e Netflix]

Numa das últimas telas do capítulo final de Arcane II, somos apresentados a um corvo de seis olhos, que acompanha de perto a guerra que assola Piltover. Para espectadores comuns, ele pode não significar muita coisa, mas quem joga LoL sabe que essa é uma referência de Swain, um dos maiores antagonistas da Rosa Negra. O corvo é visto perto dos navios que levam Mel Medarda, nova comandante de Noxus, escoltada por seus novos soldados. Dada sua ligação com a sociedade secreta de magos assassinos, é possível que a Riot Games explore esse enredo em futuras produções, ou mesmo na lore da Campeã a ser lançada.

• Janna (mencionada)

[Imagem: Riot Games, Fortiche Productions e Netflix]

A deusa do vento, Janna, surge como uma figura de esperança em Zaun, sendo reverenciada por sua capacidade de conter o gás cinza e tornar a subferia habitável. Em Arcane II, sua presença é sutil, aparecendo de relance em um mural grafitado e menções de Jinx sobre as histórias contadas por Vander durante sua criação. Mesmo assim, é bastante simbólica! Dada sua habilidade em purificar o ar, sua aparição na segunda temporada poderia representar uma solução crucial para os desafios causados pela poluição, oferecendo um contraponto à degradação que afeta tantos personagens.

• Teemo (aparição)

[Imagem: Riot Games, Fortiche Productions e Netflix]

O yordle Teemo, amado pela Riot Games e tão odiado por muitos jogadores, marca presença compondo aparições no cenário de Arcane de forma sutil. Após aparecer em um livro infantil na primeira temporada, ele ressurge na segunda como referência no chapéu de Isha, jovem aliada de Jinx. Além disso, sendo um “herói” para crianças, a aparição na base de operações de Ekko e seus Vagalumes reforça seu papel de simbolismo infantil.

O que vem aí nos próximos “a Netflix original series”

Apesar de o nome “Arcane” fazer referência ao conflito da humanidade contra a magia que, no fim, acaba sendo protagonizado pela desavença entre Jayce e Viktor, eu diria que a série é sobre a Vi, afinal. É sobre essa personagem dividida entre amar duas pessoas que estão em posições antagônicas.

E, como tudo na lore de LoL, nenhum personagem anda sozinho. Então a série é sobre Jinx e Caitlyn, também. E sobre a escolha que, no fim das contas, com a suposta morte de Jinx, Vi não precisa fazer.

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O final brutal do último episódio até poderia chocar o espectador que também ama Jinx, se não ficasse claro para nós que ela está viva, mas escolheu fingir a morte para dar a Vi uma saída mais fácil – afinal, ela nunca estaria em paz tendo uma irmã criminosa:

Há grande expectativa para o retorno de Jinx em um possível desdobramento de Arcane, ainda que os produtores já tenham afirmado que as aventuras envolvendo Zaun e Piltover já tenham chegado ao fim e que não pretendem continuar com a série, tendo ela de fato chegado ao fim na temporada 2.

De toda forma, os fãs de Summoner’s Rift já podem comemorar, pois pelo menos três novas séries ambientadas no universo de League of Legends já estão em produção. A confirmação veio do próprio showrunner, Christian Linke, que revelou em entrevista ao Necrit94: “Noxus, Ionia e Demacia terão suas próprias séries, marcando o próximo passo nesse universo cinematográfico.”
E aí, quem tá tão ansioso quanto eu?! (Até voltei a jogar LoL agora nas férias…)

O post Arcane II – review, pautas pertinentes e continuidade apareceu primeiro em O Quarto Nerd.